swing

La música swing, también conocida como swing jazz o simplemente swing, es un estilo de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920, convirtiéndose en uno de los géneros musicales más populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería, metales como trompetas y trombones, vientos como saxofones y clarinetes y, muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra. El swing utiliza preferentemente tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería de ciertas restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico del estilo fue la big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia el papel del solista. Destacan en este estilo músicos como Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie.
La denominación de este estilo como "Swing" se consolida hacia 1935, al producirse una identificación del mismo con uno de los elementos más característicos en la interpretación jazzística que, desde mediada la década de 1920, se conocía precisamente como swing.


http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=mYzZlMg1T04

dixieland

El Dixieland es uno de los estilos de jazz-hot, con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación.

Tres instrumentos destacan sobre los demás: la trompeta, el clarinete y el trombón. El ritmo y la base armónica corren a cargo del contrabajo, la batería, el bajo, el banjo y el piano, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretado solos improvisados). En el dixieland se desarrollaron técnicas instrumentales específicas, como el estilo tailgate de los trombonistas.
Generalmente este tipo de música se toca en la calle, incluso se utilizaba para desfilar. En algunas ocasiones, los instrumentos más pesados e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo, o la batería, se sustituyen por la tuba y otros instrumentos de percusión, como la caja y los platillos.
El dixieland, lo tocaban músicos blancos, que imitaban el estilo "Nueva Orleans", que lo tocaban preferentemente músicos negros. Por eso, mucha gente cree, erróneamente, que el "dixieland" y el "New Orleans" es lo mismo.

ragtime

Ragtime (ragged-time, «tiempo rasgado»), es un género musical estadounidense que se popularizó a finales del siglo XIX derivado de la marcha, caracterizado por una melodía sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos impares (primer y tercero). Entre sus raíces aparecen elementos de marcha en el estilo de John Philip Sousa y de ritmos provenientes de la música africana.

El ragtime es una de las primeras formas musicales verdaderamente estadounidenses y una de las influencias en el desarrollo del jazz. Su principal compositor fue Scott Joplin, quien saltó a la fama tras la publicación en 1899 del Maple Leaf Rag, el cual, junto con otros éxitos posteriores, contribuyó a definir la forma conocida como ragtime clásico, con una armonía, estructura y métrica particular, en contraste con las formas más primitivas de ragtime caracterizadas por una mayor flexibilidad.

El ragtime se origina en las comunidades musicales afroamericanas a finales del siglo XIX, con la interpretación de las marchas popularizadas por las bandas blancas y música clásica europea adaptadas a los ritmos sincopados de la música africana. Los primeros ragtime impresos surgen a mediados del siglo XIX, pero existen pocos documentos históricos de la fase temprana del ragtime.
La tradición establece que el primer ragtime impreso fue Mississippi Rag de William Krell en 1897 y el primer compositor negro en publicar un ragtime fue Tom Turpin con Harlem Rag en ambos casos presentando un estilo consistente, evidencia de que el ragtime ya había evolucionado durante cierto tiempo hasta adquirir una forma particular.
Ese mismo año,Scott Joplin inicia la composición del Maple Leaf Rag que publicaría dos años después y que se convirtió en el ragtime más famoso de la época, cimentando al mismo tiempo los cánones de lo que se denomina ahora como ragtime clásico.

En breve tiempo el ragtime adquirió una enorme popularidad, aunque por emanar de las clases bajas encontró oposición de los críticos serios. Su popularidad propició que empresarios musicales aprovecharan el término para promocionar piezas que, a pesar de llevar el término «rag» en el título, difícilmente podrían considerarse piezas de ragtime, el cual para entonces ya había adquirido una estructura y características definidas.

quereis otro?

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=5XUAg1_A7IE

Willie Mae Thornton (Montgomery (Alabama), 11 de diciembre de 1926 – Los Ángeles, 25 de julio de 1984) -reconocida como Big Mama Thornton en la escena musical-, fue una cantante estadounidense de blues y rhythm and blues. Tocó también la armónica y la batería. Estereotipo de vocalista de blues, su voz es apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Su fuerte sentido de la independencia la privó probablemente de haber conseguido más contactos que hubiesen impulsado una carrera no excesivamente exitosa. Entre las influencias que se le pueden apreciar están las de Bessie Smith, Ma Rainey, Mahalia Jackson y Julia Lee. Fue la primera en obtener un gran éxito con la canción "Hound Dog" en 1952. El tema fue número uno en Billboard charts durante siete semanas.
Su padre fue predicador y su madre cantaba en la iglesia. Los comienzos de Thornton se produjeron en la iglesia, pero en vez de dedicarse al gospel prefirió el blues. Cuando cumplió los 14, abandonó su casa para realizar una gira con la Hot Harlem Revue de Sammy Green durante los años cuarenta, permaneciendo en este espectáculo hasta 1948 cuando recaló en Houston. Nadie la enseñó ni a cantar ni a tocar la armónica y la batería.
Thornton realizó su primera grabación en 1950 para un pequeño sello de Houston. La grabación se hizo bajo el nombre de los Harlem Stars, aunque con Willie Mae cantando. En 1951 se introdujo definitivamente en el circuito musical de Houston cuando firmó con Peacock Records. Debutó ese mismo año con "Partnership Blues", acompañada por la banda del trompetista Joe Scott. Durante su estancia en Houston conoció y observó a muchos de los grandes blusistas como Junior Parker, quien la influiría enormemente en su estilo de armónica, a Lightning Hopkins, Lowell Fulson, Clarence Gatemouth Brown y muchos otros.
Fue su tercer trabajo para Peacock, con la banda de Johnny Otis, con el que consiguió triunfar en 1952; sobre todo, con la canción Hound Dog, que más tarde cantaría Elvis Presley.


_la cancion la he elegido  porque me gusta .

un blues?

^{http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=E2VCwBzGdPM}


hat a Wonderful World" es una canción escrita por Bob Thiele (como "George Douglas") y George David Weiss . Fue grabada por primera vez por Louis Armstrong y lanzado como single en 1967. Thiele y Weiss fueron destacados en el mundo de la música (Thiele como productor y Weiss como compositor / intérprete). Grabación de Armstrong fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy en 1999. La publicación de esta canción es controlada por el grupo musical Memory Lane, Carlin Music Corp. , y Bug Music, Inc.
Concebido como un antídoto para el clima cada vez más racista y políticamente cargado de la vida cotidiana en los Estados Unidos, la canción también tiene una esperanza, optimista tono con respecto al futuro, con referencia a los bebés que nacen en el mundo y que tiene mucho que esperar a. La canción fue ofrecido inicialmente a Tony Bennett , quien lo rechazó.  A partir de entonces, se ofreció a Louis Armstrong. La canción no fue inicialmente un éxito en los Estados Unidos, donde vendió menos de 1.000 copias porque los registros de ABC cabeza Larry Newton no le gustaba la canción y lo que no lo promueven, pero fue un gran éxito en el Reino Unido, alcanzando el número uno en la lista de singles del Reino Unido . En los EE.UU., la canción alcanzó el # 116 en el Billboard Bubbling Under Chart. También fue el único más vendido de 1968 en el Reino Unido, donde fue uno de los singles pop último publicado por el sello HMV antes de convertirse en una exclusiva música clásica etiqueta<sup>.

_He cogido esta canción porque es todo un clasico .</sup>

blues

El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.
La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act (1798) de George Colman.

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta^.Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical».Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues.El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles». Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

 Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).


El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.
En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas.
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.
Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad. La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de 1862, en el que ya habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de forma especial, para superar los blues.
Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».

musica africana y jazz

•  Las raíces. El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.
  En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.
  Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
• El jazz se basa en la improvisación y no en la interpretación fiel de una obra escrita, como sucede en la tradición clásica europea. El músico de jazz crea en el momento en que actúa, la improvisación es la base de su arte, de modo que dos interpretaciones distintas de un mismo tema son dos obras diferentes.
• Entre sus características técnicas destaca el ritmo. El jazz es una música sincopada que produce una estimulante sensación rítmica, llamada swing.
• Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente.
• Las armonías utilizadas en el jazz también marcan cierto carácter especial respecto a otras músicas. Los acordes sobre los que se crea el acompañamiento confieren a las composiciones una sonoridad peculiar. Si bien existen múltiples aspectos de la armonía de Jazz que la hacen fácilmente reconocible una de las características más notables es el uso de acordes diferentes de las de triadas (acordes de tres notas) a las que nuestro oido esta más acostumbrado.Una de las estructuras más simples utilizadas para improvisar es la de Blues que puede reducirse al uso de tres acordes (las cuatríadas construidas sobre los grados I, IV y V) distribuidas en 12 compases y cuya principal característica es el descenso del grado V al IV hacia el final de la serie
• los instrumentos mezclan sus sonidos y se alternan creando diferentes texturas y combinaciones tímbricas. La formación más numerosa es la que se conoce con el nombre de Big Band (Gran Banda). Aunque el número de componentes puede variar va aproximadamente de los 15 a los 25 músicos constituyendo una agrupación que destaca por la fuerza de los instrumentos de viento metal (trompetas, trombones, saxofones…) que interpretan los arreglos sobre una sección rítmica (piano, guitarra, bajo, batería…) . Estos arreglos suelen reducir bastante los espacios para la improvisación. La Big Band sería el equivalente a lo que en el contexto de la música clásica es la Orquesta Sinfónica.
• La voz también ha buscado sus propias sonoridades dentro del Jazz. A parte de aplicar todo lo que se refiere a las peculiaridades rítmicas y melódicas , utiliza una técnica diferente a la que solemos escuchar en el contexto de la música “clásica” disponiendo de uyn amplio margen dinámico que se vio favorecido por la utilización del micrófono. Una de las técnicas más llamativas es el Scat que consiste en imitar sonidos instrumentales (onomatopeyas) en pasajes improvisados. Esta técnica que busca instrumentalizar la voz es uno de los precedentes del fenómeno vocal surgido en el mundo del Hip-hop y conocido con el nombre de Beat -Boxing técnica que intenta imitar las cajas de ritmos electrónicas utilizadas en este estilo.
• 
• http://www.youtube.com/watch?v=Q6WDci6ewok&feature=player_detailpage
• 
  /

work song

Las canciones de trabajo, cantadas por los esclavos son conocidas en el mundo por distintos nombres. En Estados Unidos, este tipo de canciones (work songs) fueron uno de los antecesores del blues; algunas canciones formaban parte de la herencia nativa de los esclavos y eran cantadas para recordar el lugar de donde provenían, mientras que otras fueron impuestas por los dueños de los esclavos para aumentar la moral de los mismos e incluso para hacerles trabajar de una forma rítmica. Las canciones de los esclavos negros de Estados Unidos pueden asociarse a las canciones de las Chain gang (término asociado al grupo de convictos encadenados juntos y que realizan una labor física y repetitiva) o a los espirituales, dependiendo del contexto de la canción.
En Estados Unidos, las canciones más famosas de es|llamada y respuesta]]', en el cual el cantante principal cantaba un verso, o versos, para que acto seguido el resto de los trabajadores le respondiera como un coro. Una canción famosa de aquella época corresponde al espiritual "Swing Low, Sweet Chariot". Frederick Douglass, un esclavo que logró escapar a New York, comentó en 1845:

A medida que se encaminaban (al trabajo), los esclavos hacian reverberar los antiguos y densos bosques con sus canciones, en millas a la redonda, mostrando al unísono la mayor de las alegrías y la más profunda de las tristezas. Componían y cantaban durante todo el camino, sin tener en cuenta ni el tiempo ni la entonación. El pensamiento que iba, y venía, si no se encontraba en la palabra, estaba en el sonido; y, frecuentemente, tanto en uno como en otro. A veces cantaban el sentimiento más patético con la entonación más entusiasta y el más entusiasta sentimiento con la entonación más patética. Cantaban, como un coro, palabras que a muchos les hubieran parecido una jerga ininteligible, pero que, sin embargo, para ellos estaban cargadas de significado. He pensado, a veces, que el mero hecho de escuchar esas canciones impresionaría más a algunas mentes acerca de la horrible condición de la esclavitud que la lectura de libros enteros de filosofía sobre el tema.

La música asociada a la esclavitud en Estados Unidos puede englobarse en dos categorías principales: espirituales y música secular, consistiendo la música secular, principalmente, en gritos de campo con el acompañamiento de instrumentos caseros. A pesar de que los tambores estuvieran prohibidos años más tarde (por miedo a que los esclavos los utilizaran para comunicarse en caso de rebelión), los esclavos "llegaron a generar percusión, y sonidos de percusión, utilizando sus propios instrumentos e incluso con sus cuerpos.





 ^{http://www.youtube.com/watch?v=SfOKpSCnzgU&feature=player_detailpage}

els minstrels show

El espectáculo juglar, o trovador, era un espectáculo americano que consiste en sketches cómicos, espectáculos de variedades, el baile y la música, realizados por personas de raza blanca en cara pintada de negro o, sobre todo después de la Guerra Civil , los negros con la cara negra.

Minstrel muestra satirizado a los negros como tontos,  perezoso, bufonesco, supersticioso, happy-go-lucky, y musical. El espectáculo comenzó con una breve juglar parodias cómicas y los entreactos en la década de 1830 y surgió como una forma de pleno derecho en la próxima década. En 1848, shows minstrel del blackface fueron el arte nacional de la época, la traducción formal del arte como la ópera en términos populares para el público en general. 
 
Por la vuelta del siglo 20, el espectáculo juglar disfrutado más que una sombra de su antigua popularidad, habiendo sido sustituidos en su mayor parte por el vodevil . Sobrevivió como entretenimiento profesional hasta cerca de 1910; actuaciones de aficionados continuó hasta la década de 1960 en las escuelas secundarias y teatros locales. Como afro-americanos comenzaron a anotar victorias legales y sociales contra el racismo y afirmar con éxito el poder político, juglaría perdido popularidad.
 
 El rendimiento típico trovador siguieron una estructura de tres actos. La primera compañía bailó en el escenario luego intercambiaron bromas y cantaba canciones. La segunda parte ofreció una variedad de entretenimientos, incluyendo el juego de palabras llenas de discurso de campaña . El acto final consistió en una bufonada musical plantación o una obra de teatro enviar arriba de una obra de teatro popular. Canciones Minstrel y bocetos ofreció varios caracteres comunes , más popularmente el esclavo y el dandi . Estos fueron divididos en sub-arquetipos tales como la mamá , su homólogo de la darky edad, el provocador mulato chica, y el soldado negro. Los trovadores afirmaban que sus canciones y bailes eran auténticamente negro, aunque el alcance de la influencia negro sigue siendo debatido. Espirituales (conocidos como jubileos) entraron en el repertorio de la década de 1870, marcando la primera música innegablemente negro que se utiliza en juglaría.
 
Blackface juglaría fue la primera forma teatral típicamente americano. En las décadas de 1830 y 1840, fue el núcleo de la subida de un americano industria de la música , y desde hace varias décadas que presta el lente a través del cual la América blanca vio negro de Estados Unidos. Por un lado, tenía fuertes racistas aspectos. 

El  blanco representaciones teatrales de personajes negros se remontan a tan temprana como 1604,  la demostración de trovador, como tal, tiene orígenes más tarde. A finales del siglo 17, blackface personajes comenzaron a aparecer en el escenario americano, por lo general como " siervo "tipos cuyas funciones no hizo más que ofrecer algún elemento de alivio cómico . 



 

 http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=UfiNT6AKG0s

entrada 3

En un principio era el pueblo negro, llevado en galeras a Estados Unidos para hacer de mano de obra más-que-barata en las plantaciones de algodón, propiedad de los también emigrantes, pero de piel distinta, procedentes de Inglaterra, Irlanda, Francia, etc... el trabajo es duro, la nostalgia de la tierra de la que han sido arrancados está presente, cantan en los campos de algodón mientras trabajan y, a través de estos cantos, expresan su melancolía, su tristeza, su blues.

Por otra parte, los misioneros blancos les adoctrinan en los principios de la religión luterana, incluídos los cantos propios del culto. Los negros se aprenden las letras, pero las cantan a su manera, dándoles unas acentuaciones rítmicas novedosas, y así surge el gospel.

 En 1865 Abraham firma la abolición de la esclavitud. En la práctica tarda en notarse, pero sí que permite que en las ciudades grandes los negros tengan un poco más de libertad, libertad que exteriorizan a través de nuevos instrumentos: cornetas, que luego pasarán a ser trompetas, clarinete, trombón y tuba, banjo, tambor y bombo con un platillo. A través de estos instrumentos, y con el sustrato musical anterior , aparecen las primeras composiciones de Jazz.

Las palmas que acompañaban los cantos espirituales son sustituidas por los redobles de tambor y las puntuaciones de bombo; las entonaciones, el vibrato, las inflexiones y demás efectos vocales, propios de los cantantes de blues, son reproducidas por los músicos con sus nuevos instrumentos, y así poco a poco el Jazz va tomando forma.

Desde su nacimiento, el Jazz creció y se desarrolló ligado al baile. De la misma forma que los negros africanos identifican totalmente sus cantos con sus danzas, los negros norteamericanos nunca han separado su música del baile.